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  摄影技术是一项伟大的发明,它是在迎向未来,还是在迎向灵光消逝的年代?

图像的海洋:新摄影2015展览现场,2015-2016,现代艺术博物馆。

  如果说“光”和“形”是摄影艺术一直在探讨的两个核心,那么在二十世纪初,“抽象”这一词汇与摄影艺术的交融就再未曾停止过。

图像的海洋:新摄影2015展出来自19位艺术家和艺术团体的作品,囊括严格意义上摄影艺术领域以外的多种媒介,例如雕塑、装置和行为艺术。展览把关注点放在为普罗大众建立联系的通信网络,着眼于影像所有权、商标权和视觉语法等主题。

  正在伦敦泰特现代美术馆展出的“光之形:100年来的摄影与抽象艺术展”(Shape
of Light: 100 Years of Photography and Abstract
Art)是由泰特摄影部现任主任西蒙·贝克 ( Simon Baker ) 策展的。

艺术团体DIS善于运用讽刺手法传达一种近乎古怪的真挚态度。他们的装置作品《轮廓关系》(Related
by
Contour,2015)选材于一张网络图库中具有多元文化特点的巨幅家庭照片,在印上现代艺术博物馆官方商标的水印后被糊上展厅的墙面。大卫霍维茨(David
Hovitz)类似于表演艺术的作品《情绪障碍》(Mood
Disorder,2015)通过一系列以标题为噱头的新闻网站追溯照片的传播路径。卡特娅诺维茨科娃(Katja
Novitskova)的作品《近似(孔雀蛛)》(Approximation (peacock
spider),2015)把科学界最新发现的蜘蛛物种印在立式纸板上。从影像分享网站上公开搜集到的这些微型生物的图片,在经过放大后,具有像怪兽一般令人战栗的视觉效果。

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西蒙·贝克是泰特的第一位摄影策展人,也是巴黎著名摄影中心MaisonEuropéennedela
Photographie(MEP)的主任。

伊力特阿祖莱(Ilit Azoulay)的《不断改变的确定性》(Shifting Degrees of
Certainly,2014)将象征德国文化的物品分类组成形状各异的马赛克,扩大纪实摄影的参数。同时,志贺理江子(Lieko
Shiga)具有强大感官冲击力的怪异装置作品《螺旋海岸》(Rasen
Kaigan,2010-12)捕捉日本东北部被海啸席卷过后的景象和生灵。另一边,曾经在人群熙攘的布鲁克林地铁站里卖海报、书籍和杂志的地下商店《报摊》(The
Newsstand,2013-14)被原封不动地搬到了博物馆展厅里。莱勒萨韦里(Lele
Saveri)的这一作品响亮地提醒了人们:即使在地下无法使用无线网络的地方,摄影艺术的未来还是充满无限光明的。

  

纽约现代艺术博物馆| THE MUSEUM OF MODERN ART

  在此次展览中,策展人不仅选择了像是曼•雷(Man
Ray)、阿尔文•兰登•科伯恩(Alvin Langdon Coburn)及奥托·施泰纳特(Otto
Steinert)这样的大师们是如何在他们如实验室般的暗房及工作室内改造现实的,同时还展示了很多优秀的当代摄影师如芭芭拉•卡斯滕(Barbara
Kasten)、横田大辅(Daisuke Yokota)等人为展览而创作的新作品。

2015.11.072016.03.20

  本次展览展出了超过300件艺术作品,涵盖100多位艺术家与摄影师,从1910年代到现在,跨越了一个世纪的摄影作品,观众们可以追寻着时间的脚步,慢慢去领略通过镜头记录“摄影艺术”与“抽象艺术”两者的互相促进与影响。

  在现代视觉文化中,摄影艺术与抽象艺术都是极具探讨意义的存在。而在摄影艺术当中,从20世纪起初的摄影实验到后来的超现实主义,时至今日的数字化显示,这两个艺术概念始终在不断的对话,相互为其存在而注入新的探索契机。 

  这次从展览从时间的维度将诸多的作品分散在12个展厅之中,涉及的摄影师之多,所以也无法逐一详细解读。

  因此,在每个部分都选取了具有代表性的摄影师或者艺术家,让大家对于这一百年在抽象艺术的语境中的摄影发展,有一个历史性的回顾。

  抽象领域的初试

  1-5展厅(1910– 1940)

  展览第一部分回顾了20世纪早期,摄影转向抽象领域的最开始的尝试。这段时间大致与两次世界大战之间的时间段相重叠。展出包括了阿尔文•兰登•科伯恩(Alvin
Langdon Coburn)、拉兹洛•莫霍利•纳吉(Laszlo
Moholy-Nagy)在内的大量早期抽象摄影的尝试作品。

  抽象摄影流派追求超视觉、超常态效果,主张通过摄影手法将具体的对象转换成点、线、面等抽象的形态。

  在转换成抽象形态的过程中,被摄对象既可被辨识,也可与现实对象毫无任何相似之处。其作品往往会引起人们抽象的美感联想或情绪上的某些反应。

  像是本次展览中的阿尔文•兰登•科伯恩的“旋涡照片”(Vortographs)便呈现出光影模糊、集合排列的特点。通过操纵光线和化学物质产生,以此来扭曲或分割现实世界。这样的结果恰恰是媒介、纪录片及抽象艺术三者间的一种镜像历史。

  所谓的“漩涡照片”就是最早的一种纯抽象照片,它是通过安装成三角形的三片镜子来拍摄物体,从而得到千变万化重复的图象。

  “漩涡照片”也是早期摄影对抽象手法向不同方向探索的重要结果。

  这一名字来源于科伯恩对于当时的艺术运动漩涡主义(Vorticism)的痴迷,也正是科伯恩在伦敦邂逅埃兹拉•庞德(Ezra
Pound)时,被带入了这场由艺术家兼作家温德姆•路易斯(Wyndham
Lewis)开启的短暂英国先锋派现代主义运动,科伯恩随即感受到了几何形状和立体派碎片的漩涡画派动力的解放潜力。

  而另一位包豪斯构成主义大师拉兹洛•莫霍利•纳吉的作品也在这一部分被大量展出,包括了他的抽象摄影照片、几何布面油画创作以及他最著名的物影照片(Photograms)系列。

  

  莫霍利早年并没有接受过正规的艺术培训,从一开始就很少有拘泥于写实的作品。这也正使得他的绘画及平面设计作品大部分都非常抽象,并且特别注重表现画面的空间感。像是这幅他的绘画作品“KVII”便是极简抽象派艺术的那种线条和色块的排列。 

  所以通过观察莫霍利同时在绘画与摄影的相互影响,我们便可以发现在20世纪中期时便有了多媒介的同时探索,这便是摄影艺术在抽象领域的诸多的实验性尝试。

  抽象的深入探索

  6-9展厅(1940- 1960)

  在本次展览中,第9展厅也是作为展览的重要节点,主要是展示的是1960年MoMA举办的名为“抽象的感知”的摄影展,这一展览在当时肯定并梳理了摄影在抽象领域做出的探索,并奠定了一些关键艺术家的地位,其中代表人物便是曼•雷(Man
Ray)。

  与其拍摄一个东西,不如拍摄一个意念;与其拍摄一个意念,不如拍摄一个幻梦。

  ——曼•雷

  在这间展厅里,便可以感知到曼•雷那永那不停歇的创新想象力,作为二十世纪最具影响力,且最全方位的艺术家之一,又以摄影作品最为人称道。 

  他挑战并扩张摄影的本质,使用中途曝光(Solarization)、实物投影法(Rayograph)等暗房技巧与实验手法,让摄影成为一种艺术表达形式。

  深受达达派和超现实主义绘画思想影响的曼•雷,具有强烈的反传统意识,他宁可去创造一个个充满幻境的世界,也不会拘泥于对客观对象的简单重复。

  达达与超现实主义被普遍认为是20世纪最具神秘色彩又最富影响力的先锋艺术运动。

  达达与超现实主义摄影家们采用高超的暗房制作技术,通过使用大量的道具或运用特殊的摄影技法,如多次曝光、摄影蒙太奇、透明底片夹印和多底叠放等,创造出超现实主义的效果。

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